Soy Tom Hornsby, el Director Pedagógico de Música Creativa y, a través de estas líneas, me gustaría explicar muy brevemente la filosofía de música creativa, la cual constituye la base de lo que hacemos en esta escuela y la forma en la que lo hacemos.

Teniendo en cuenta que llevamos más de 25 años funcionando como escuela, se puede decir que hemos tenido mucho tiempo y muchas experiencias para reflexionar sobre la enseñanza y el aprendizaje y, en este tiempo, hemos aprendido que el único punto de partida que vale sois vosotros: EL ALUMNO.

El curso pasado realizamos una encuesta a nuestros alumnos. Entre otras muchas cuestiones, preguntamos sobre la motivación que tienen los alumnos para estudiar en la escuela. Teniendo en cuenta que esa motivación varía entre hombre y mujeres, podemos decir que aproximadamente un 10% de nuestros alumnos están aquí para obtener una titulación, otros 10% para reorientar la formación previa, rellenar lagunas, etc., entre el 40 y 50% están aquí porque quieren disfrutar de la música como afición, y entre el 30 y el 40% buscan un día dedicarse profesionalmente a la música.

Es decir: todos queréis aprender a tocar y a hacer música. Pero todos tenéis expectativas ligeramente distintas – experiencias previas distintas, gustos distintos, aspiraciones distintas, habilidades y dificultades distintas.

Así que tenemos que partir de vosotros: poco a poco trabajar con cada uno para averiguar y entender vuestras experiencias previas, vuestras aspiraciones, vuestros gustos, vuestras habilidades y vuestras dificultades, y asesoraros y ayudaros a poneros en camino. Esto lo podríamos definir como ATENCIÓN A LA DIVERSIDAD del individuo. Sabemos por experiencia, que si no respondemos a esta diversidad, no vamos (no vais) a conseguir los mejores resultados. Os pido que habléis con vuestros profesores de todos estos aspectos. No para plantear sueños o deseos difíciles de cumplir, sino para lograr entre los dos un plan compartido, y ajustado a vuestra realidad. Es algo que se logra entre las dos partes.

SEGUNDO HECHO FUNDAMENTAL: si no os sentís implicados en la música, no vais a progresar o seguir adelante.

Sabemos lo vital que es para cualquier alumno, desde el primer momento, sentir que algún cambio, por muy pequeño que sea, se está produciendo, porque experimentar esas sensaciones de cambio, de que algo está pasando, es precisamente lo que os da la motivación para seguir estudiando.  Os crea UNA NECESIDAD.

Aquí, un paréntesis para hacer una distinción clara entre el concepto de NECESIDAD y el de OBLIGACIÓN. Sentirse obligado es importante y útil para estudiar, pero es algo, al fin y al cabo, que viene de fuera. Como cuando nuestra madre nos decía de pequeños “hace frío: ¡ponte el jersey!” Cuando estudiamos únicamente por una sensación de obligación, corremos el riesgo de perder nuestra motivación al no sentirnos implicados. La necesidad, en cambio, es algo que surge de dentro de nosotros. Y es algo mucho más potente. Es la que hace que un niño que quiere aprender a montar en bici vuelva a montarse a pesar de haberse caído: Porque ha sentido algo distinto cada vez, sabe que se está acercando y siente que lo va a lograr. Es la NECESIDAD que hace que un alumno vuelva corriendo a su casa después de clase, porque quiere practicar algo y además sabe cómo hacerlo y porque dentro de unos días lo necesitará porque va a actuar o grabar o algo y…bueno…¡le mola!

Sabemos por experiencia que los alumnos que sacan el máximo partido a su paso por la escuela, sea cual sea su nivel o su perfil, son los que SIENTEN LA NECESIDAD de tocar y estudiar mucho – todo lo posible. Los que dicen “yo necesito hacer este pequeño esfuerzo nuevo porque con el último pequeño esfuerzo conseguí sentirme…¡fantástico!”

Describirlo de esta forma me lleva a haceros una petición: vuestra motivación, la NECESIDAD que sentís o dejáis de sentir, es algo que DEBÉIS hablar con vuestros profesores: hay que cuidarla. Conseguir sentirte bien estudiando y aprendiendo es algo que se logra, otra vez, entre las dos partes, vosotros y nosotros.

TERCERA GRAN CUESTIÓN: ¿Cómo tiene que ser una escuela donde sucedan todas estas cosas?

También sabemos (¡cuánto sabemos!) que lo mejor que podemos hacer para que estéis implicados, felices, disfrutando y aprendiendo es proporcionaros todas las oportunidades posibles para poner lo que estáis aprendiendo en práctica. Experiencias que se adaptan a las expectativas y necesidades distintas de cada uno, y que os dicen y os muestran cada vez que estáis logrando algo, que se está produciendo un cambio y que NECESITÁIS SEGUIR adelante. Por eso todos tenéis la oportunidad de participar en un montón de experiencias de muchos tipos distintos para tocar cada vez más y mejor, juntándoos con otros compañeros, tocando en audiciones aquí o en BarCo, el Espacio Abierto, la jam session, la bolsa de trabajo, los espectáculos didácticos, en concursos, componiendo, produciendo, grabando en el proyecto del disco… Todas son experiencias que os harán crecer como músicos y como personas. Y es que la mejor forma de aprender es HACIENDO.

APRENDER HACIENDO

En esto consiste, entonces, la idea de Música Creativa de la que os proponermos participar.

Mi nombre es Amelia Caro, y me siento muy afortunada por ser una de las personas que hace 25 años fundaron la Escuela de Música Creativa. Pero sobre todo por haber compartido este camino con todas las personas con las que se ha construido este proyecto que es hoy Música Creativa. Han sido años de cambios, cambios de la sociedad, de la educación de la música en particular, y por tanto años de retos para la Escuela. Durante las Jornadas de celebración del 25 Aniversario hemos hablado mucho de cambios. Especialmente, de los que la tecnología ha supuesto en la creación, y para ello hemos mostrado por boca de nuestros alumnos de Producción Musical cómo la Escuela ha incorporado la tecnología al proceso creativo para servirse de ella. Pero si volvemos un momento 25 años atrás, nos encontramos con una educación musical en España estancada en patrones caducos, y con aún muchos cambios por hacer. De hecho, nuestra pequeña escuela de jazz y música moderna de los 80 surge para dar respuesta a inquietudes musicales que no tenían cabida en los conservatorios españoles.

Pocos años después, en los 90, algunos cambios llegaron con la LOGSE introduciendo por primera vez en España:
- la música en la enseñanza general
- el modelo de centro especializado de música que en Europa funcionaba desde medio siglo antes: las escuelas de música.

Esto motivó la adaptación del proyecto de Música Creativa a esta nueva realidad de escuelas municipales, donde se aborda por primera vez en España la educación musical temprana, la formación musical para aficionados, donde hay que dar respuesta a alumnos de todas las edades, de todos los estilos, con propuestas diferentes a las de que ofrecía la enseñanza en los conservatorios, con ese fantástico slogan “música para todos”. Hubo que esperar a un nuevo cambio legislativo, ya en el 2006 LOE, para ver reconocidas especialidades de la música moderna como el bajo o la guitarra eléctrica, y con eso nuestra escuela se convirtió en la primera en el país en ofrecer estas titulaciones en el Grado Profesional. Cambios legislativos necesarios aunque bastante tardíos, que se están acomodando todavía en la sociedad española. Otros, están aún por llegar (como el de la suficiente atención a la pedagogía en las enseñanzas superiores, o al flamenco, por ejemplo).

Lo cierto en que en este tiempo, esa escuelita de jazz y música moderna de los 80 se fue transformando en nuestra Escuela actual: 14 centros, 270 profesores, 7000 alumnos. Nuestros compañeros de la Asociación Europea de Escuelas de Música Moderna nos dicen que no hay institución de esta envergadura en Europa. Pero no quiero comentar esto para presumir, sino para subrayar que
el reto y la responsabilidad que sentimos para tratar de ofrecer las respuestas adecuadas, en este entorno de cambios, es grande.

Y si bien la Escuela desde su nacimiento se orientó hacia un enfoque educativo que pone el acento en las necesidades del alumno, en la enseñanza al servicio del aprendizaje, somos conscientes de que esos cambios en el pensamiento, en la teoría pedagógica, tardan en consolidarse en la práctica del aula, ya que suponen también un reto para el profesor. Como institución comprometida con el cambio pedagógico, asumimos ese reto, el de que se produzcan cambios reales en la práctica docente que reviertan en los alumnos, en la sociedad, con más alumnos haciendo música, competentes para incorporase al mundo laboral si ése es su caso, o sencillamente habiendo incorporado la música a sus vidas como aficionados que disfrutan con ella, enriqueciéndose, enriqueciendo a los demás, expresándose, creando. Ese alumno protagonista de su aprendizaje, que exige un papel diferente del profesor en el siglo XXI. Por suerte, no estamos solos en estos retos. Por lo menos no hoy.

Si alguien me pregunta qué es un taller Connect, solo puedo decir una cosa:

Comunicación musical sin partituras.

Un grupo de personas que nunca antes han tocado juntas se unen para crear una pieza musical única e irrepetible, una pieza que está viva, que crece sola y que cada vez que se interpreta es distinta. Una pieza que se gesta gracias a las aportaciones de todos, en la que cada uno aporta algo de lo suyo, de su manera de entender la música, de su propia expresividad. No estamos tocando la música de nadie y a la vez hay un poco de todos porque todos aportan, sin importar el nivel, la edad ni el instrumento.

Un Taller Connect no es una clase, no se va a aprender nada específicamente, aunque seguro que todos aprendemos muchas cosas y entre ellas, una que es la más importante de todas: a escuchar. Uno llega con lo que tiene en su mochila y se va con algo más, se va con música en la cabeza y con la sensación de haber participado en una experiencia colectiva, más concretamente con la sensación de haber formado un colectivo. He podido ver cómo los integrantes de cada taller se apoyan y se ayudan, aprenden y enseñan, escuchan y cantan, buscan y encuentran… en definitiva se comunican entre ellos y conectan.

En todos los sentidos el Taller Connect que ahora ha terminado ha sido todo un éxito; ya lo era antes de mostrar al público del auditorio “TORMENTA EN EL DESIERTO”, el fruto de nuestro trabajo, porque el éxito en sí es conseguir que se produzca la “conexión”, el chispazo que consigue que 12 personas se suban a un escenario e interpreten una pieza musical que han creado juntas y que conocen de memoria, que pueden tocar sin necesidad de papel alguno.

Liderar, que no dirigir, un taller de estas características es una aventura inquietante y muy emocionante, en la que aparecen caminos alternativos, puertas nuevas que se abren, dunas en un desierto que hay que atravesar, un viaje en tren, un amanecer en alta mar… un estallido sonoro. Todo es posible y todo depende de los participantes y de su capacidad de comunicarse.

Miguel Ruiz de Elvira

Mis primeras palabras como bloggero. Nunca he sido de escribir un diario y sólo el sonido de la palabra BLOG me causaba cierto rechazo o temor. En inglés suena a algo un tanto asqueroso, pantanoso, como un BLOB. Un poco amorfo, quizás.. Pero superada mi primera resistencia psicológica, ya puedo escribir un poco de lo que pasa en mi mundo, por lo menos, en el de la Creativa.

Soy coordinador de combos desde hace casi 25 años, el COMBINATOR si lo prefieres, y actualmente participo en dos nuevos proyectos: el ESPACIO ABIERTO y el PODCAST (junto con Juan San Martín). Aparte, claro está, de las clases de siempre. Así pues hoy os comentaré un par de cosas sobre los combos:

Si no me equivoco, durante el curso 2010-2011 hay 41 combos, con casi 300 alumnos apuntados, así que como te puedes imaginar, es algo complicado. Algo COMBLICADO.

Cada uno tiene su nivel más o menos, sus horarios, sus intereses y aspiraciones musicales o de estrellato. El alumno entra en el aula y se encuentra con hasta siete personas más en la banda, normalmente totalmente desconocidas hasta entonces.

Continuar…

Soy Tom, el Director Pedagógico de la Escuela de Música Creativa, y me gustaría empezar a utilizar este espacio para, entre otras cosas, dar a conocer el trabajo que hacemos en el equipo pedagógico respecto a la implantación de mejoras e ideas nuevas, y además recoger las opiniones y sugerencias de todos, alumnos, padres y profesores, sobre estas cuestiones. 

Para empezar quiero hablar de las audiciones de instrumento, específicamente las de los jóvenes y adultos. 

Hay unos 800 alumnos de Instrumento en la escuela, tutelados por 56 profesores (¡!), así que uno de los primeros problemas que tenemos es de organización: lograr que todos los alumnos tengan la oportunidad de presentar públicamente su trabajo en las mejores condiciones – un buen escenario con una buena acústica, piano, sillas, luces y lo demás, pero me refiero, sobre todo, a las condiciones pedagógicas, psicológicas y anímicas.

Sea cual sea tu perfil: básico, avanzado, amateur, profesional, la audición es una manera de estimular y potenciar tu aprendizaje – es una parte de tu formación que te ayuda a conocerte, evaluarte, mejorar tu capacidad de concentración, ver qué aspectos funcionan bien y cuáles debes mejorar.

Por otro lado tiene una dimensión social, esencial que fomenta el comunicarse, relacionarse, compartir el aprendizaje propio y aprender de los demás. Si conseguimos que estos elementos estén presentes, la experiencia será, sin duda, muy motivadora para cualquier participante.

Entonces, si estos son los objetivos que tenemos, ¿qué decisiones podemos tomar y cómo podemos actuar de cara a las audiciones? Continuar…